2017年01月31日

サブスク時代の洋楽楽理解説 #12 U2「Pride (In the Name of Love)」

今回も大物、U2を楽理解説しますよ〜!

アイルランドが輩出した世界的バンド、U2。このバンドも非常に語るべきことが
多い、エピソード満載のバンドでございます。色々書きたいこともあるのですが、
それに言及していると肝心の楽理解説がかすんでしまうので、以降の楽理解説の
参考になるエピソードにとどめます。

U2というバンドは、ドラムのラリーがバンドメンバー募集の張り紙を出し、それを
見て集まってきたメンバーによって結成されました。ところがバンド結成時はそのドラム
以外は、ほぼ楽器初心者という状態だったそうです。これは、各々のメンバーがU2という
バンドの中で上手くいってきたということを意味します。その意義、お分かりでしょうか。
つまり、彼らの演奏には当初からアンサンブルという要素が抜きがたく埋め込まれて
いたということ。彼らの独特なフレージングは、そういったアンサンブルを念頭に置いて
楽器を修練してきたからこそ生み出されたもの、なんだそうです。(という話をはるか昔に
読んだことがあります)

U2というと多くの皆さんが頭に思い浮かべるのはギターの細かいパッセージ。かの泉谷しげる
さんも代表曲「春夏秋冬」を80年代にリテイクしたときにはU2っぽいギターをフューチャー
しておりました。バンド仲間なんかでもギターで16分音符の細かいカッティングやフレージング
をする際に「U2みたいに」なんて符牒が飛び交うくらい、代名詞になっております。

今回、楽理解説する「Pride (In the Name of Love)」もそのカッティングがたっぷり
味わえる曲となっています。この曲は、ご存知の方も多いでしょうが公民権運動をけん引した
キング牧師のことを歌った曲であります。当時はまだKKKのような差別団体が幅を利かせて
いた時代で、U2もこの曲を歌ったことで脅されたりしたそうです。(さて、これからの時代
どうなるんでしょうね)

いかん。ついつい語りが入ってしまった。今回はあくまでも楽理について語りますよ。
知らない人もいないでしょうが、一応貼っておきますね。



私が彼らを知ったのはこの曲からでした。実に不思議な曲だなあと聞けば聞くほど
感じたことを思い出します。私が不思議に感じたことの一つは、16ビートなのに
非常にゆったりしたビート感を感じるということ。ところが、よくよく聞いてみると
ドラムもベースも基本8ビートなんですよ。16ビートと感じるのはエッジのギターが
あるせいで、リズム隊は基本エイトビートを奏でている。しかしもっとよく聴き込むと
リズム隊もただの8ビートでなく端々に16ビートのニュアンスを感じさせる。それこそ、
先ほど言及したアンサンブルを念頭に置いてフレーズを組み立てているから、なんですね。

その16分のニュアンスということを少し細かく見ておくと、ドラムのフレージングは先ほど
から申し上げている通り8ビートなんです。キックが1拍目と3拍目、スネアが2拍目と
4拍目に置かれ、ハイハットが8分を刻む。ところが3拍目に少し16分のニュアンスが入る
んですよ。具体的にはキックが16分の裏に入る。つまり「ドン・タン・ドッド・タン」という
リズムになっている。さらに偶数小節には4拍目の表の裏(16分で4つ刻んだ2つめ)にも
キックがハイハットのオープンの音と共に入る。「ドン・タン・ドッド・タチー」ですね。
この「チー」がアクセントとして非常に利いているんですわ。

リズムについてはこれくらいにしておきましょう。ギターの性急なカッティング(これも後で
見るように自在な表情を見せる)に対して悠然としたリズム隊。この対比が一筋縄でいかない
深いニュアンスを与えているのだと考えます。

では、音の分析に入っていきます。冒頭の部分からギターの4度によるカッティングが印象的
なんですが、気を付けて聴いて頂きたいのはベース。ここでずっとAの音を奏でているんです。
これにより、ギターのフレージングが意味を持つように出来ているんですよ。

そのギターは下から順にB〜E⇒E〜A←A〜Dとなっています。それぞれBからE、EからA、
AからDと4度で積み上がっているんですよ。4度というとサス・フォー的な曖昧性をニュアンス
として持つのですが、ベースのAに対してはBが2度、Eが5度、Aが1度、Dが4度とそれぞれ
普通に響くのですが、この4度のフレージングにより、不思議なコード感を醸しているのです。
最初のB〜Eはサス・ツー(A〜B〜E)、次のE〜Aはパワーコード、最後のA〜Dはサス・
フォーと、それぞれに曖昧なニュアンスを出し、どこへ行くのか分からない印象を聴き手に
与えています。

それに続いて有名なギターのカッティングのフレーズに入っていくのですが、ここでコードが
変わります。というよりこの曲は基本ずっと以下の4小節のコードが繰り返しになるのですが。

 |B|E|A|F#m|

細かく言うと色々あるのですが、その解説は後で行うとして基本はこういうコードです。
Amajorで言うと二→五→一→六というコード。いわゆるツー・ファイブのコード・パターン
ですね。いわゆるポップスでよく使われる、色気のある循環コードであります。

さらに最初の二の和音が(おそらく)メジャーになっている。これは副五というやつで、
次のEへの推進力を強めている役目なんですが、次のEがどちらかというと属7でなく
メジャーセブンのニュアンスが強いので、そういった推進力よりもメジャーを連ねることで
匂い立つような色気を作り出そうとしているみたいです。

そして、そういったコードを作り出しているのがベースとギターなんですが、ギターの
方が非常に面白い音使いをしているんですよ。1〜2小節は全く同じフレーズで、ベース
だけが動く。具体的には、ここではF#〜BとE〜Bを行ったり来たりしている。上のBは
動かずに下の音が動くというのも面白いのですが、バックのコードとの効果も注目です。
最初のBのコードにたいしてはF#(5度)〜B(1度)とパワーコードになっていて、次の
E(4度)〜B(1度)はサス・フォー的。つまりここは曖昧な感じにあえてしていて、
明確にコードの色を出していないんですよ。

次のEのコードに対してはF#(2度)〜B(5度)とサス・ツーあるいはアド・ナイン、と
ここは少し豊かなコード感を出しますが、続いてE(1度)〜B(5度)とパワーコードに
なる。ここも曖昧なコード感を出していると言えますね。ここで面白いのは、ギターと
ベースの音が当たったり当たらなかったりしているところ。彼らはアンサンブルによって
フレーズを組み立ててきたので、例えばベースが3和音のある音を奏でていると、ギターは
他の2つの音を奏でる、のようなフレージングを基本としているのですが、もうこの時期に
なると、あえてベースとギターの音を同じにしてコードの構成音を少なくしたり、なんて
芸当もするようになっているわけです。しかも、ただ同じ音を当てているだけでなく、
その当て方も巧みですよね。

続いての2小節もギターはほぼ同じフレージングをしている。Aのコードに対してギターは
E(5度)〜A(1度)とE(5度)〜G#(7度)を行ったり来たり。今度は上の音が動いている
わけですね。そしてコード的にもパワーコードからメジャーセブンという明確な色を持った
コードを垣間見せる(パワーコードと交互に見せるのも巧み)わけです。そして最後の
F#のコードに対してはF#(1度)〜A(3度)とF#(1度)〜G#(2度あるいは9度)と
いうギター。3小節目と比べて下の音がEからF#になっているのですが、これEのまま
だと7度の音になって豊かなニュアンスが出るのですが、あえてそうせずにベースの音に
当てている。ここは、あえて豊かなコード感を出さないようにしているのでしょう。と
いうのもここで3度という音でマイナー感を出し、さらにナインスのニュアンスも出している
ので、そこに明確な音が加わるセブンスの音を避けているのだと考えます。

さて、こういったバックの音の上にボノのボーカルが乗っかるのですが、そのフレーズは
変わらずにボノのボーカルのニュアンスでバース〜コーラスの対比を作り出しているわけ
です。コーラスのシャウト、熱いですよね。

ところが、2コーラス目のバースでは、かのカッティングを止めて8分音符でアルペジオ
的なリフを弾くんですよ。ここでゆったり感を強調している(16分音符の性急さが消えますから)
のですが、それプラス音もユニークなんです。ここのギターは「E→D#→B」というフレーズを
奏でているのですが、これはボーカルのフレーズを先取りしているわけですが、それを
Bのコードのバックで奏でることで、ここにメジャーのニュアンスを作り出しているのです。
(ボーカルのフレーズはD#の音がEのコードに変わるところなので、メジャーセブン感しか
出ない)これが、先ほど言及した、副五というよりもメジャーによる色気という箇所です。
ただここも、その後のギターのフレーズが「E→B」とサス・ツー的なコードをなぞることで
コードの曖昧性は残しているわけです。コードのチラ見せ、と言いたいくらいですね。

そして2コーラス目のコーラスの後に、8小節のつなぎがあるのですが、ここも興味深い。

 |B|D|E|E|B|D|E|E|

という、まるでBmajorかと見まがうかのようなコード進行。それも古典的なニュアンスを
持つ。しかもここでギターも「D#→E→F#」(Bmajorで言えば「ミ・ファ・ソ」)という
フレーズを連呼して、短3度になるD(2と6小節目)で音がぶつかるのも、古典的なロケン
ロールっぽくてゾクゾクします。そして、ここでBmajorのニュアンスを出しておくことが、
以下の曲に深みを与えることになります。

この後、コードは元の循環コードなのですが、ギターのバックが少し変わります。といっても
歌に入るまでは例の16分のカッティングは聞こえているのですが、それにプラスされてずれの
ポリリズムのようなギターのリフが入ります。ここは、前半2小節はB→F#の繰り返し、後半
2小節はB→C#(一部Eに行ったりしますが)となっています。これもバックのコードが
変わっても同じフレーズを奏でて効果を変えるという手法ですね。例によって細かく見ていくと、
最初はBのコードに対してB(1度)〜F#(5度)とパワーコード、次のEのコードに対しては
B(5度)〜F#(2度)とサス・ツーあるいはアド・ナインになり、次のAのコードに対しては
B(2度)〜C#(3度)とメジャーのアド・ナインという明確な色を持ったコードになり、
最後のF#に対してはB(4度)〜C#(5度)と今度はサス・フォーと曖昧になる。

さらにこのバックに対してボノは「ん〜」とハミング的なボーカルであるフレーズを3回
繰り返します。その音は「E→D#→B」で、Bmajorでは「ファ←ミ→ド」というもの。
このD#の音は最初のボーカルの頃から現れていて、Eのコードにメジャーコード感を
与えたり、Bのコードにメジャー感を与えたりしていましたが、バックがAの時にも表れる
ようになるのです。このD#の音はバックのAのコードの真裏になるのですが、それよりも
AmajorにないD#の音が主和音であるべきAの和音で現れることで、Amajorであることが
疑われるようになる。つまり、調が多義的になるんですよ。と考えると件の循環コードは
Bmajorと考えると「一⇒四⇒♭七→m五」となる。最後の五がマイナーになるのだけBmajor
っぽくないですが、これも4小節目を曖昧にすることでやや中和されますね。

そう考えると、最初の16分のカッティングこそ4小節目がマイナーで明らかにAmajorなの
ですが、後半に挿入されるフレーズほど中立的あるいはBmajor的なフレーズで、調のありかが
あいまいになることが狙われているわけです。例えば最後のコーラスだけ「In The Name Of
Love」のところでハモリが入りますが、ここでもD#を多用していたりして、Bmajorの
ニュアンスを強めています。(Aのコードではハモらないのですが)あるいは最後のサビから
入ってくるかけ声のようなフレーズ。これも「E→F#」と「G#→F#」とF#の音が強調される
フレーズで、F#はBの5度なので、こちらもややBmajorより。

かといって、明確にBmajorだという主張はせず、あくまで調性を曖昧にするニュアンスに
留めて、この曲に得体の知れない奥行きを与えているところは巧みです。その辺りも、この
曲にずっと惹かれ続けた理由なのかも知れません。

次回も、超大ネタ。Nirvanaに行きます。これも代表曲「Smalls Like Teen Spirit」
にしましょう。お楽しみに。
ラベル:楽理解説 U2
posted by なんくい at 11:16| Comment(0) | TrackBack(0) | 音楽理論 | このブログの読者になる | 更新情報をチェックする
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